Andy WarholPop Art bajo el mundo de Warhol
Andy Warhol no es sólo el icono del Pop Art sino un hito en el desarrollo del arte, debido a que introdujo temas fundamentales que son la imagen de sus obras. Los orígenes del pop art se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Pop Art descarga del arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades.
Por otro lado el enigma que envuelve la versatilidad de sus piezas refleja el carácter imponente que este tiene sobre sus obras, pues en muchas de ellas el toque es resaltante dónde se puede apreciar el uso de diversas técnicas como la serigrafía, litografía , fotolitrografía, o simplemente firmar un cartel y darla la connotación de arte.
Es por ello que Warhol traspasó los límites de la pintura u otro arte ya que él se inició como ilustrador de revistas. A partir de ello pudo vivir y conocer el mundo underground y VIP de la época.Tiempo después esto se vería reflejado en la temática de sus obras, puesto que estas tienen un espíritu actual y muchas veces publicitario.
Trata que las obras sean lo más semejantes a las imágenes cotidianas que podemos tener, como a Marilyn Monroe, Mickey Mouse, The Uncle Sam, entre otros.
No sólo pintaba personajes conocidos también a personas comunes, pero siempre como un observador omnisciente que está en los momentos donde los acontecimientos son determinantes en la historia.Particularmente creo que desde el inicio de su carrera, cuando obtuvo la fama supo imbricar su vida a este nuevo glamour al cual no pertenecía ya que como hijo de inmigrantes checos no estaba acostumbrado. Debido a su viaje a Nueva York y luego de ser reconocido por las ilustraciones que hacía en la revista donde trabajaba adquiere el reconocimiento entre la elite artística de entonces. Por ello con el tiempo, la personalidad que desarrolla en el ámbito artístico lo hace sobresalir, además que para la fecha su arte era innovador en cuanto al uso de la técnica y los temas.Con el tiempo dicha fama se hizo más grande al punto de ser reconocido mundialmente como el padre del Pop Art, con ello el paso del ciudadano (ilustrador de revistas) al artista se convertiría en la celebridad que es hasta hoy. Sin embargo, todo esto se vio coadyuvado por la polémica que causó sus obras, especialmente en cuanto a sus películas, ya que trataban temas cotidianos pero inclinados hacia tópicos que no se expresaban usualmente. En el éxito encontró la fórmula para seguir plasmando su arte pues a partir de ello las ganancias y el reconocimiento fue incrementándose. En todo ello encontró un modo de vida al cual estuvo acostumbrado hasta el final de sus días.A pesar de ser la celebridad; el mundo en el que vivía la percepción del las cosas en cuanto a sus obras fue la de un documentalista del cuarto siglo.
Al parecer cuando este llega a la cúspide de su carrera tanto el cuidadano, el artista y la celebridad se juntaron en uno sólo; esto dio como resultado a Andy Warhol.
Con la frase “Todo es más glamoroso cuando se hace sobre la cama, incluso pelar papas” apela a varios significados dentro de los cuales deja entrever su declarada homosexualidad.Este lo relaciona con la morbosidad que se vive aun en esta época donde la homosexualidad es mal vista o muchos casos; como una enfermedad.Es por ello que él sabe que todo lo que haga por la magnitud de su figura en el plano artístico dará que hablar y más si es algo tabú.A lo que enfoca es que no es el hecho sino la acción, por ello él se refiere “Incluso pelar papas” a que pudo hacer cualquier acto y fácilmente pudo darle esa connotación negativa a la moralina de los conservadores.Sus excentricidades coadyuvaron a que se teja especulaciones tanto en su obra como en la vida no tan privada.
Sus películas son un acento al libre pensamiento pues en la temática que utiliza se ven homosexuales, personas dándose besos, etc. Muchas de ellas con carga erótica que en muchos de los casos exaltaba a los críticos, y no por su calidad sino por los prejuicios que se formulaban a través del tiempo.Él sostiene que “Un artista es una persona que crea cosas que la gente no hace pero, por una razón cualquiera, piensa que sería una idea proporcionárselo”.
También se le puede atribuir a que el nivel en el que se encontraba, no importaba tanto los objetos que creaba ni la forma que se le daba sino la intención al objeto por su significado y no por la materia pura. Podría atribuírsele por ejemplo a la técnica que usaba usualmente; la serigrafía. Esta se utilizaba para la reproducción en masas. Desde mi perspectiva la reproducción de Marilyn Monroe en cuatro tipos de colores refleja un compendio que es la figura de dicha estrella. Si se analizara crudamente se diría que es la misma obra sólo que diferentes colores, y que en realidad es lo mismo; sin embargo, este efecto tiene la intención de hacer notar la industrialización que pasan por todas las cosas. Por lo tanto, reproducirla varias veces refleja la continuidad y reproducción masiva a las que el mundo hoy en día está acostumbrado. Por ello Warhol postula que inclusive “pelar papas” , refiriéndose a un acto menor, puede ser glamoroso, ya que él podría inmoralizarlo en alguna pintura, película o dibujo, con el cual pasaría de ser un acto intransigente para pasar a ser algo estilizado o como sostiene el artista “glamoroso”.
La exposición es prácticamente la cobertura de muchas facetas del artista, desde sus ilustraciones en revistas
[1], pasando por los dibujos[2], pinturas e inclusive películas. En todas ellas se tiene un objeto definido siempre, a partir de ello empieza el trabajo de dicho pintor pues su
trabajo no expresa la mimesis explícita. Usa la forma original que usualmente es serigrafía en las cuales aplica trazos o colores a los rostros o en varios casos altera los colores naturales de las imágenes. Es natural que se el carácter sea muy “americano”, pues como lo hizo en su trabajo Myths representó personajes encomiados de la cinematografía de dicho país como a Margeret Hamilton en el papel de la bruja mala en el Mago de Oz, el muñeco Hoydy Doody de la serie televisiva desde los años cincuentas con Buffalo Bob Smith a la Mammy de las Cajas de Galletas en terractoca Mc Coy, de Drácula, Superman y el raton Mickey, a Papal Noel
y al tio Sam, para terminar con un serio autorretrato multiplicado por una sombra puntiaguda[3].
[1], pasando por los dibujos[2], pinturas e inclusive películas. En todas ellas se tiene un objeto definido siempre, a partir de ello empieza el trabajo de dicho pintor pues su
trabajo no expresa la mimesis explícita. Usa la forma original que usualmente es serigrafía en las cuales aplica trazos o colores a los rostros o en varios casos altera los colores naturales de las imágenes. Es natural que se el carácter sea muy “americano”, pues como lo hizo en su trabajo Myths representó personajes encomiados de la cinematografía de dicho país como a Margeret Hamilton en el papel de la bruja mala en el Mago de Oz, el muñeco Hoydy Doody de la serie televisiva desde los años cincuentas con Buffalo Bob Smith a la Mammy de las Cajas de Galletas en terractoca Mc Coy, de Drácula, Superman y el raton Mickey, a Papal Noel
y al tio Sam, para terminar con un serio autorretrato multiplicado por una sombra puntiaguda[3].El libro de recetas ilustrado por divertidos dibujos y recetas de fantasías son el reflejo que este conspicuo artista no sólo pintaba figuras humanas sino demostró que también podía hacerlo.De dicho trabajo sobresale lo lúdico de la temática pues deja volar su imaginación para hacer recetas in imaginadas[1].” Contact trader Vic’s and order a 40 pounds sucking pig to serve 15. Have hannley take carey cadillac to the sede entrante and recive the pig at excatly 6:45 Rush home inmidiatly and place and the spot for 50 minutes. Remove and garmish with fresh crabapples”Con el paso del tiempo la imagen de Warhol se cimenta; con ello la rúbrica plasmada en algún objeto le daba el carácter artístico, prueba de ello es el afiche autografiado que se preserva como una pieza más. También en las portadas de las revistas se siente el sello de dicho pintor pues en el tipo de trazos que se emplea son característicos de este, ya que a pesar de ser un excelente dibujante altera la concepción cuidadosa del artista a la hora de ejecutar su obra.Las usas para darle bidimencionalidad o a veces tridimencionalidad aumentando el volumen de la naturalidad, siendo alterada la característica natural de la fotografía empleada para hacer el lienzo.
Por otro lado Warhol sostiene que “El éxito comercial era en sí mismo también una forma de arte”Esto refleja su deseo de éxito que buscó desde los inicios. Cuando Warhol se muda a la ciudad de Nueva York a fines del verano, principios del otoño de 1949 comienza a trabajar como artista comercial, y renta un departamento con su compañero de escuela Philip Pearls. Su primer trabajo es para la revista Glamour, donde ilustra el artículo "What is Success?" (¿Qué es el éxito?), en el ejemplar de septiembre de ese año[2]
. Desde entonces se permite entrever el deseo por ser reconocido, y es obvio pues si uno es artista y se innova es lógico que el deseo por ser admirado y respetado sea lo más normal. Con su primera exposición individual "Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote" los reconocimientos empezaron a llegar.Con los demás trabajos obtuvo el tan ansiado reconomiento y luego al éxito.
A partir de ello supo direccional sus obras a tal punto de realizar piezas que son catalogadas como fulgidas obras de este siglo. Inclusive muestra toques de conceptualista utilizando una bolsa para hacer “Cambell’s Soup can on shopping bag”
Por otro lado Warhol sostiene que “El éxito comercial era en sí mismo también una forma de arte”Esto refleja su deseo de éxito que buscó desde los inicios. Cuando Warhol se muda a la ciudad de Nueva York a fines del verano, principios del otoño de 1949 comienza a trabajar como artista comercial, y renta un departamento con su compañero de escuela Philip Pearls. Su primer trabajo es para la revista Glamour, donde ilustra el artículo "What is Success?" (¿Qué es el éxito?), en el ejemplar de septiembre de ese año[2]
. Desde entonces se permite entrever el deseo por ser reconocido, y es obvio pues si uno es artista y se innova es lógico que el deseo por ser admirado y respetado sea lo más normal. Con su primera exposición individual "Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote" los reconocimientos empezaron a llegar.Con los demás trabajos obtuvo el tan ansiado reconomiento y luego al éxito.
A partir de ello supo direccional sus obras a tal punto de realizar piezas que son catalogadas como fulgidas obras de este siglo. Inclusive muestra toques de conceptualista utilizando una bolsa para hacer “Cambell’s Soup can on shopping bag”Como se sostiene líneas atrás del éxito hizo su vida y de ella un arte pues mucho de sus obras tenía que ver con los estados en los que se encontraba el artista. Optar por los avances tecnológicos o el cambio de técnica.
A principios de los años sesenta comienza a pintar imágenes Pop, como las pinturas Campbell's Soup Can, que fueron la sensación del mundo del arte y lo convirtieron en toda una celebridad. En 1964 exhibe sus primeras esculturas: cientos de réplicas de grandes cajas de productos de supermercado como: Brillo, Heinz Ketchup, Del Monte, Mott´s Apple Juice y Kellog´s Corn Flakes. Poco después utiliza la serigrafía cortada a mano para reproducir sus dibujos de billetes de dólar, recurre a la técnica de la fotoserigrafía, uno de los medios más importantes de su producción[1].
Warhol extendió su talento intelectual a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el mundo.Con todo ello, es notorio decir que vivía del éxito que tenía.Todo ello era la mejor manera de justificar su arte, además por el uso de figuras como se sostuvo líneas atrás reconocidas la capacidad de identificación era más efectiva.
En los años ochentas su obra gráfica resulta cada vez más refinada, gracias a la introducción de innovaciones técnicas y de estilo, y como elegantes líneas de contorno que se sobreponen a la fotografía con fragmentos de color sabiamente yuxtapuestas con superficies relucientes obtenidas, aplicando polvo de vidrio a veces con variaciones de color entre una hoja y otra lo que las convierten de hecho en ejemplares únicos y de ahí esta la serie Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century con diez retratos de hebreos más famosos del siglo XX.Se tiene por ejemplo de Kafka[2]
a Einstein y a Sara Bernhardt. También encontramos a Freud a Gerswish y a los hermanos Marx del filósofo y escrito Martin Buber y la primer ministro Israelí Golda Mier hasta a Louis Brandies a la escritora Gertrude Stein.Todos ellos son al igual que él íconos en el mundo, tanto Freud como Kafka, su visión es hacer notar y enaltecer las figuras, más aun si dicho pintor los inmortalizó. 
Por el carácter pop, se propaga con mayor facilidad.
A principios de los años sesenta comienza a pintar imágenes Pop, como las pinturas Campbell's Soup Can, que fueron la sensación del mundo del arte y lo convirtieron en toda una celebridad. En 1964 exhibe sus primeras esculturas: cientos de réplicas de grandes cajas de productos de supermercado como: Brillo, Heinz Ketchup, Del Monte, Mott´s Apple Juice y Kellog´s Corn Flakes. Poco después utiliza la serigrafía cortada a mano para reproducir sus dibujos de billetes de dólar, recurre a la técnica de la fotoserigrafía, uno de los medios más importantes de su producción[1].
Warhol extendió su talento intelectual a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el mundo.Con todo ello, es notorio decir que vivía del éxito que tenía.Todo ello era la mejor manera de justificar su arte, además por el uso de figuras como se sostuvo líneas atrás reconocidas la capacidad de identificación era más efectiva.
En los años ochentas su obra gráfica resulta cada vez más refinada, gracias a la introducción de innovaciones técnicas y de estilo, y como elegantes líneas de contorno que se sobreponen a la fotografía con fragmentos de color sabiamente yuxtapuestas con superficies relucientes obtenidas, aplicando polvo de vidrio a veces con variaciones de color entre una hoja y otra lo que las convierten de hecho en ejemplares únicos y de ahí esta la serie Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century con diez retratos de hebreos más famosos del siglo XX.Se tiene por ejemplo de Kafka[2]
a Einstein y a Sara Bernhardt. También encontramos a Freud a Gerswish y a los hermanos Marx del filósofo y escrito Martin Buber y la primer ministro Israelí Golda Mier hasta a Louis Brandies a la escritora Gertrude Stein.Todos ellos son al igual que él íconos en el mundo, tanto Freud como Kafka, su visión es hacer notar y enaltecer las figuras, más aun si dicho pintor los inmortalizó. 
Por el carácter pop, se propaga con mayor facilidad.El personaje es tan rico y tan variable que creo este pintor quiso explotarlo al máximo desde diferentes ángulo donde el espectador atribuye la connotación respectiva. Por ello, podría observarse un solo retrato; sin embargo, el mensaje no sería del todo entendido.En cambio gracias a las diferentes tonalidades que utilizó para ilustrar se le atribuye varios significados. Críticos de arte sostienen que la obra de Warhol al ser repetitiva como es el caso del retrato de Marilyn, refleja como sostuve líneas atrás la producción en masa que comprende el concepto de consumismo que pasa la sociedad.Junto a este también se encuentra el de Mao que representan un icono el trabajo de dicho pintor. La técnica que empleó fue la serigrafía sobre el papel, que por mucho tiempo fue la técnica más usada por este.
Warhol presenta un lado más arriesgado pues plasma las ideas del Pop Art a sus filmes, ya que toca temas mundanos con la visión de dar vida al objeto.Sin embargo, es sobrepasa en ciertos aspectos lo satírico y erótico de sus obras. A Warhol en el cine le entusiasma hasta el punto de sentirse inclinado a considerarlo su actividad principal durante un cierto periodo. Son películas rodadas en su mayor parte, en tiempo real, inicialmente mudas que describen situaciones o personas en un ámbito cotidiano, plasmado en forma provocadora, como se sostuvo líneas atrás, o incluso escandalosa para los espectadores tradicionales por el hecho de que los protagonistas casi siempre son homosexuales[1].La cámara filma un hombre que duerme, personas que comen, que se besan, un travesti maquilladísimo que come uno plátano con gestos alusivos, chaperon que están trabajando o simplemente el Empire State con una cámara fija durante ocho horas seguidas, o sea la antítesis de la película de acción.
Casi siempre se encuentra la cámara algo alejada, utiliza el zoom para acercase y dar la impresión de acecho al personaje.Lo mismo utilizó Luchino Visconti en su célebre película “Muerte en Venecia” donde el dicho elemento entabla el juego de acosado- acosador.Similar es la técnica que utiliza Warhol, también recurre a la poca distancia focal en algunos interiores pues juega con la jerarquización del elemento en foco.En películas experimentales como Sleep o Empire, Andy Warhol coloca la cámara inmóvil durante varias horas frente a un hombre que duerme, en primer caso, y frente al célebre rascacielos Empire State, en el segundo. Estamos, probablemente, ante los ejercicios de fijeza del encuadre más radicales que se hayan hecho nunca y que contribuyen la exacerbación llevada al límite de la inmovilidad de la cámara y de los objetos que conforman el campo visual[2]. La mayoría de sus trabajos guardan ese espíritu colorido, satírico, y lúdico que es del agrado del autor, por ello tanto en los cuadros como en los dibujos la presencia del color resalta la presencia y sello del pintor dándole rumbo hacia lo mencionado antes. En año 1963 abre The Factory, su taller artístico y adopta la técnica que utiliza para sus obras más famosas: la fotografía serigrafiada y trasladada sobre el lienzo. ” En esa época, establece su estudio en un cuartel de bomberos vacío, ubicado en East 87th Street; más tarde lo traspasa a 231 east 47th Street. Este espacio, después conocido como la "Factory" -pintado de plateado, cubierto con papel aluminio-, impregnado por la obra artística de Warhol, música y constante actividad, se vuelve el lugar de moda de Nueva York. 
Las fiestas que se daban en la "Factory", eran comentadas en todas las columnas de sociales de los periódicos de Estados Unidos”.[3]Gracias a ello, su figura como personaje público y controversial se dio a conocer en el ambiente que se desenvolvía. A partir de la apertura de su taller Warhol se desarrolló al punto de extender sus talentos intelectuales a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el mundo.The Factory en una fábrica abandonada, un taller artístico que servia al mismo tiempo de estudio de grabación para el rodaje de varias películas experimentales sin guiones, mayormente producto de la improvisación. En aquella época también adopta la técnica que utiliza para sus obras más famosas: la fotografía serigrafiada y trasladada sobre lienzo, utilizando fotografías en blanco y negro que colorea artificialmente. Esta capacidad de ejecutar eficaces variaciones del mismo tema es un rasgo característico del arte de Warhol[4].Como se sostuvo en los párrafos anteriores, con la apertura de The Factory, la inventiva que ya venía de tiempo atrás se incrementó totalmente pues se conllevó a toda la magia que implica ver una de sus obras.
Toda la exposición gira en la omnipresencia de Warhol, ya que aparte de ser sus obras se encuentra imbricado tanto su estilo como la imagen que presenta que se yuxtapone con su nombre.Se nota que su egocentrismo permanentemente, ya que no sólo se dibujaba a sí mismo, sino que trasciende sus obras.Con el paso de los espacios se muestra etapas distintas, en algunas más centrado al desarrollo neto de la estructura pictórica. Sin embargo, en otras se expresa más hacia los rasgos femeninos, aunque también se encuentra en las ilustraciones de Miguel Bossé.Andy Warhol no sólo se contentó con reproducir fielmente los rasgos de una sociedad vilmente industrial y comercial, sino que participó plenamente en las innovaciones formales de los años cincuentas.Es esta prodigiosa aptitud a la mutación-destrucción de imágenes símbolos de la sociedad americana por saturación que hace la grandeza ambigua de Warhol
[5].Warhol pintó toda su vida -excepto por un breve periodo a mediados de los sesenta-, y hoy su obra se exhibe en museos de todo el mundo. Durante los años setenta y ochenta, siguió produciendo pinturas, grabados, fotografías y dibujos, incluyendo las series Mao Skulls, Hammer & Sickles, Guns, Knives, Crosses, Dollar Signs y Camouflage. Culminó estas series con los lienzos de Last Supper, que se exhibieron en Milán en enero de 1987, donde acude al opening de la exposición. También ese año sus Sewn Photos (edición múltiple de fotos cosidas en forma de rejilla), se presentaron en Manhattan[6]En su mayoría los personajes a los que inmortalizó son recurrentes a la memoria de las personas, como son el caso de Marilyn, Albert Einstein, Kafka, Freud, etc.Todos ellos son materia para que sus obras tengan mayor vigencia y entendimiento, ya que es mucho más fácil asociar la imagen de alguno de ellos con algo abstracto.También se encuentra un espíritu que entra en protesta a la extinción de animal, por ende pintó los cuadros de animales. En los dibujos presente un carácter más lúdico y satírico pues toca de forma sutil temas que pueden atentar con la moral de algunos, como el hecho de presentar ángeles en situaciones muy llamativas[7].Tanto en sus serigrafías, fotoserigrafías, dibujos y películas, Warhol va a vivir en la mente de todos los seguidores del Pop Art.
Particularmente me gustó mucho la exposición debido a que rompe con los esquemas netos del arte tradicional. La influencia pura del anti arte en Warhol es clara de reconocer. Creo que en mucho de los casos este tipo de arte, para personas que no conocen mucho de arte la asociación con objetos de consumo cotidiano permite conceptualizar o asociar la intención del autor, o también cabe la posibilidad de no entenderla.Desde mi perspectiva en un principio no entendía el porqué de la repetición pero al informarme para efectos de este ensayo comprendí las diversas razones e interpretaciones que se le atribuye a la obra de dicho artista. Técnicamente hablando me gusta por la versatilidad que se encuentra en su trabajo
. Por ejemplo, y como sostuve al inicio de este ensayo, los Myths refleja la proposición de figura artística siendo los ejemplos ya mencionados; al paso de los dibujos de ángeles muy sugerentes donde se aleja de la concepción canónica del buen dibujante. Muy por lo contrario sus trazos no son perfectos, por ello este se diferencia de los demás. Me gusta por lo paradójico que lleva a ser la concepción de anti arte que se convierte en arte y que a su vez en algo tan imbricado de la sociedad. Lo mundano de los objetos también puede ser arte, como lo demuestra Warhol, claro está que llevado a un nivel insondable.La mejor crítica que encontré está en el siguiente link, que es un video de Youtubedonde explica la obra de Warhol en su exposición en Lima.
Warhol presenta un lado más arriesgado pues plasma las ideas del Pop Art a sus filmes, ya que toca temas mundanos con la visión de dar vida al objeto.Sin embargo, es sobrepasa en ciertos aspectos lo satírico y erótico de sus obras. A Warhol en el cine le entusiasma hasta el punto de sentirse inclinado a considerarlo su actividad principal durante un cierto periodo. Son películas rodadas en su mayor parte, en tiempo real, inicialmente mudas que describen situaciones o personas en un ámbito cotidiano, plasmado en forma provocadora, como se sostuvo líneas atrás, o incluso escandalosa para los espectadores tradicionales por el hecho de que los protagonistas casi siempre son homosexuales[1].La cámara filma un hombre que duerme, personas que comen, que se besan, un travesti maquilladísimo que come uno plátano con gestos alusivos, chaperon que están trabajando o simplemente el Empire State con una cámara fija durante ocho horas seguidas, o sea la antítesis de la película de acción.
Casi siempre se encuentra la cámara algo alejada, utiliza el zoom para acercase y dar la impresión de acecho al personaje.Lo mismo utilizó Luchino Visconti en su célebre película “Muerte en Venecia” donde el dicho elemento entabla el juego de acosado- acosador.Similar es la técnica que utiliza Warhol, también recurre a la poca distancia focal en algunos interiores pues juega con la jerarquización del elemento en foco.En películas experimentales como Sleep o Empire, Andy Warhol coloca la cámara inmóvil durante varias horas frente a un hombre que duerme, en primer caso, y frente al célebre rascacielos Empire State, en el segundo. Estamos, probablemente, ante los ejercicios de fijeza del encuadre más radicales que se hayan hecho nunca y que contribuyen la exacerbación llevada al límite de la inmovilidad de la cámara y de los objetos que conforman el campo visual[2]. La mayoría de sus trabajos guardan ese espíritu colorido, satírico, y lúdico que es del agrado del autor, por ello tanto en los cuadros como en los dibujos la presencia del color resalta la presencia y sello del pintor dándole rumbo hacia lo mencionado antes. En año 1963 abre The Factory, su taller artístico y adopta la técnica que utiliza para sus obras más famosas: la fotografía serigrafiada y trasladada sobre el lienzo. ” En esa época, establece su estudio en un cuartel de bomberos vacío, ubicado en East 87th Street; más tarde lo traspasa a 231 east 47th Street. Este espacio, después conocido como la "Factory" -pintado de plateado, cubierto con papel aluminio-, impregnado por la obra artística de Warhol, música y constante actividad, se vuelve el lugar de moda de Nueva York. 
Las fiestas que se daban en la "Factory", eran comentadas en todas las columnas de sociales de los periódicos de Estados Unidos”.[3]Gracias a ello, su figura como personaje público y controversial se dio a conocer en el ambiente que se desenvolvía. A partir de la apertura de su taller Warhol se desarrolló al punto de extender sus talentos intelectuales a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el mundo.The Factory en una fábrica abandonada, un taller artístico que servia al mismo tiempo de estudio de grabación para el rodaje de varias películas experimentales sin guiones, mayormente producto de la improvisación. En aquella época también adopta la técnica que utiliza para sus obras más famosas: la fotografía serigrafiada y trasladada sobre lienzo, utilizando fotografías en blanco y negro que colorea artificialmente. Esta capacidad de ejecutar eficaces variaciones del mismo tema es un rasgo característico del arte de Warhol[4].Como se sostuvo en los párrafos anteriores, con la apertura de The Factory, la inventiva que ya venía de tiempo atrás se incrementó totalmente pues se conllevó a toda la magia que implica ver una de sus obras.Toda la exposición gira en la omnipresencia de Warhol, ya que aparte de ser sus obras se encuentra imbricado tanto su estilo como la imagen que presenta que se yuxtapone con su nombre.Se nota que su egocentrismo permanentemente, ya que no sólo se dibujaba a sí mismo, sino que trasciende sus obras.Con el paso de los espacios se muestra etapas distintas, en algunas más centrado al desarrollo neto de la estructura pictórica. Sin embargo, en otras se expresa más hacia los rasgos femeninos, aunque también se encuentra en las ilustraciones de Miguel Bossé.Andy Warhol no sólo se contentó con reproducir fielmente los rasgos de una sociedad vilmente industrial y comercial, sino que participó plenamente en las innovaciones formales de los años cincuentas.Es esta prodigiosa aptitud a la mutación-destrucción de imágenes símbolos de la sociedad americana por saturación que hace la grandeza ambigua de Warhol
[5].Warhol pintó toda su vida -excepto por un breve periodo a mediados de los sesenta-, y hoy su obra se exhibe en museos de todo el mundo. Durante los años setenta y ochenta, siguió produciendo pinturas, grabados, fotografías y dibujos, incluyendo las series Mao Skulls, Hammer & Sickles, Guns, Knives, Crosses, Dollar Signs y Camouflage. Culminó estas series con los lienzos de Last Supper, que se exhibieron en Milán en enero de 1987, donde acude al opening de la exposición. También ese año sus Sewn Photos (edición múltiple de fotos cosidas en forma de rejilla), se presentaron en Manhattan[6]En su mayoría los personajes a los que inmortalizó son recurrentes a la memoria de las personas, como son el caso de Marilyn, Albert Einstein, Kafka, Freud, etc.Todos ellos son materia para que sus obras tengan mayor vigencia y entendimiento, ya que es mucho más fácil asociar la imagen de alguno de ellos con algo abstracto.También se encuentra un espíritu que entra en protesta a la extinción de animal, por ende pintó los cuadros de animales. En los dibujos presente un carácter más lúdico y satírico pues toca de forma sutil temas que pueden atentar con la moral de algunos, como el hecho de presentar ángeles en situaciones muy llamativas[7].Tanto en sus serigrafías, fotoserigrafías, dibujos y películas, Warhol va a vivir en la mente de todos los seguidores del Pop Art.Particularmente me gustó mucho la exposición debido a que rompe con los esquemas netos del arte tradicional. La influencia pura del anti arte en Warhol es clara de reconocer. Creo que en mucho de los casos este tipo de arte, para personas que no conocen mucho de arte la asociación con objetos de consumo cotidiano permite conceptualizar o asociar la intención del autor, o también cabe la posibilidad de no entenderla.Desde mi perspectiva en un principio no entendía el porqué de la repetición pero al informarme para efectos de este ensayo comprendí las diversas razones e interpretaciones que se le atribuye a la obra de dicho artista. Técnicamente hablando me gusta por la versatilidad que se encuentra en su trabajo
. Por ejemplo, y como sostuve al inicio de este ensayo, los Myths refleja la proposición de figura artística siendo los ejemplos ya mencionados; al paso de los dibujos de ángeles muy sugerentes donde se aleja de la concepción canónica del buen dibujante. Muy por lo contrario sus trazos no son perfectos, por ello este se diferencia de los demás. Me gusta por lo paradójico que lleva a ser la concepción de anti arte que se convierte en arte y que a su vez en algo tan imbricado de la sociedad. Lo mundano de los objetos también puede ser arte, como lo demuestra Warhol, claro está que llevado a un nivel insondable.La mejor crítica que encontré está en el siguiente link, que es un video de Youtubedonde explica la obra de Warhol en su exposición en Lima. Escrito por: Elder Cuevas
Bibliografía
BEDOYA, Ricardo. LEÓN FRÍAS, Isaac. Ojos bien abiertos. El lenguaje de las imágenes en movimiento. Lima : Universidad De Lima, 2003
BOURDON, David. Warhol. New York: Harry N. Abrams Inc, (1989) 1991 pp.432 DILLENBERGER, Jane Daggett The Religious Art of Andy Warhol. Discute la influencia de la religión en la vida y obra de Warhol. 128 pp. New York: Continum Pub; 1998.
GARRELS, Cary, ed. The Work. Of Andy Warhol. Dia Art Foundation. Seattle: Bay Press, 1985 pp 996.
NUÑEZ, Carlos. Andy Warhol. http://www.pucp.edu.pe/centro_cultural/ 20/06/07WRIBCAN, Matt. Andy Warhol. http://www.conaculta.gob.mx/historial/warhol/biografia.htm 20/06/07
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